No te puedes perder de este acústico a cargo de Los Twin Tones acompañados de la australiana Abbie Cardwell para presentar su nuevo disco titulado “La muerte en Mojave” estrenado recientemente en el Vive Latino 2013 y cuya portada esta diseñada por el mismo Dr. Alderete.
Así que si quieres deleitarte con su música estilo western, ven por tu pase!

Agradecimiento por las fotos a: Yels

Bien me lo dijo un ciego: “Mientras lees esto, dos ácaros copulan en tu almohada”.
Los dibujos que naturalmente hacemos en la infancia son una enfermedad de la que poco a poco sanamos. Al crecer, reducimos esa actividad a garabatos que plasmamos en esquinas de hojas blancas accidentales o, en el mejor de los casos, en servilletas de fondas y restaurantes.
Las piezas de esta serie son el resultado de las noticias diarias, la poesía de microbús y la literatura nocturna, los traslados a la oficina, las conversaciones anónimas, la mirada peatonal, actividades todas que la provincia permite gracias a sus ritmos lentos. En la lejanía de la ciudad de Durango, en la piedra árida y extraviada dentro del gran valle, la premisa fue muy sencilla: dibujar 100 dibujos en 100 días (a veces con éxito, a veces con retraso) para establecer la triada de ritmo, constancia y disciplina.
La serie habla de la condición humana, a través de señas autobiográficas y de una búsqueda constante dentro del quehacer diario de esa fina (e inseparable) ligadura que existe entre el dibujo y la textualidad de las imágenes.
De esta forma volví a infectarme; me sumergí de nuevo, como el niño en el lodazal, consciente de que para triunfar tenía que ensuciarme las manos. Fue el punto de partida para engrasar de nuevo aquella maquinaria olvidada. Desde entonces, todos los días cultivo esta enfermedad, de la cual no espero encontrar cura.

La exposición que se presentará en Vértigo, es el resultado de más de un encuentro creativo con la comunidad de Chiltoyac, municipio de Xalapa, Veracruz. A través de esta exposición, los artistas intentan articular los diferentes proyectos que han realizado en esta comunidad,
a través de cuatro piezas: un mural de comales, un serie de fotografías,
una instalación y un documental del encuentro entre artistas plásticos y alfareros/as.
Enriquecer las prácticas de los dos quehaceres fue la búsqueda de este proyecto: en el caso del arte, la idea fue retomar elementos que permitieran incluir los saberes tradicionales y las formas sustentables
en el proceso de creación utilizando materiales de la región en que vivimos y trabajamos, y a través de este proceso ge-nerar nuevas maneras de concebir el arte. En el caso de la alfarería tradicional, se busco enriquecer los saberes locales para integrar la tradición en los nichos de nuevos mercados.
El resultado fue el fruto de la colaboración entre Amancia Villa, una alfarera originaria de dicha comunidad y los artistas plásticos, Lucía Prudencio Núñez y Daniel Berman Loya, radicados en la ciudad de Xalapa. Las piezas forman parte de un trabajo/proyecto más extenso
que se realiza en la comunidad de Chiltoyac y que involucra a muchas más personas.

¿Qué podemos decir del gran amigo Flavio Cianciarulo, mejor conocido como Sr. Flavio (miembro fundador de los Fabulosos Cadillacs)? Podemos decir: excelente música reggae punk dance hall y además toca por segunda ocasión en Vértigo que más podemos pedir! no te lo puedes perder!
Agradecimiento por las fotos a: Yels

El taller pretende ofrecer al alumno un panorama general de las características del rotulado para logotipos de productos de consumo masivo partiendo de la exploración del marco de la caligrafía, el letrismo, la pintada urbana combinados con las necesidades de acción del diseño y de reacción del consumidor.
Se proyectará una breve exposición sobre el tema y luego los alumnos pasarán a ejercitar sobre el papel. Se procederá a la creación de una marca de un producto para venta de supermercado rescatando las formas del entorno (grafitis, carteles, revistas antiguas, caligrafías, etc). Se utilizarán materiales provistos por la organización o por los alumnos (ver anexo al final) con los cuales desarrollaran a lo largo del taller una aproximación al letrismo, las ligaduras, los aportes estéticos de los swashes, el color y la metodología para un correcto pasado a digital. Y como cierre una experiencia de digitalización desde illustrator a Fontlab. en donde estudiaríamos principios básicos de vectorización, etc. De contar con ordenadores, utilizaríamos la aplicación Fonntlab para perfeccionar el dibujo realizado. De alcanzar el tiempo abordaremos, luego, el campo de las tipografías Opentype y su uso aún no muy explotado y desconocido.

MATERIALES
Cada alumno debe traer:
Hojas de dibujo A3
Papeles de calco
Marcadores gruesos punta chata y punta redonda
Marcadores finos punta chata y redonda
Cinta de papel
Tijeras
Algunos papeles afiche blancos
Lapices para cada uno
Pinceles varios, tinta negra

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Acerca de Alejandro Paul
Alejandro Paul nació en Buenos Aires en 1972. Miembro fundador del proyecto Sudtipos, el primer colectivo tipográfico de Argentina. Alejandro Paul ha enseñado diseño (Cátedra Bellucia, 1996-2000) y tipografía (Cátedra González 2002-2003) en la Universidad de Buenos Aires. Paralelamente ha trabajado como director de arte en prestigiosos estudios de diseño de Argentina atendiento marcas globales y de consumo masivo. Desde 2003 se dedica a atender proyectos de “lettering” y tipográficos para las agencias de packaging más importantes del país y de la región. Ha dictado conferencias en Argentina, Alemania, Portugal, México, Canadá, Brasil, Ecuador, Uruguay y Chile. Su trabajo ha sido premiado y publicado en diversas revistas de diseño como Step, Creative Review, Print, Communication Arts, Computer Arts, Novum, Visual, Creative Arts, TpG entre otras. En 2008 su tipografía Burgues Script recibió un certificado de excelencia del Type Directors Club de NY y otro en la Bienal Tipos Latinos. En 2009 su tipografía Adios Script recibió la misma distinción. Miembro de AtypI y del colectivo T-convoca.

Descripción:
Las técnicas digitales son el nuevo estándar de producción universal, por lo que es conveniente aprender a asimilarlas de una forma orgánica, buscando encontrar en el software y los recursos que brindan las nuevas tecnologías una extensión natural que potencie y enriquezca nuestra labor creativa.

Objetivo:
Dotar al dibujante de recursos técnicos y conceptuales para incentivar su proceso creativo en un entorno digital; buscando que tal proceso resulte tan cómodo y fluído como puede serlo en el ámbito de las técnicas tradicionales.

Público a quien va dirigido:
A dibujantes e ilustradores que busquen enriquecer su técnica de dibujo y color por computadora a través del programa Photoshop de Adobe, además de adquirir un marco conceptual para el flujo y proceso creativo.

Cantidad de módulos, días y horas:
4 módulos / 4 días / 4 horas diarias.

Duración total:
16 horas

Materiales necesarios por los alumnos:
1. Computadora portátil con el programa Photoshop de Adobe instalado.
2. Tableta digital
3. Memoria USB para intercambio de archivos

José Quintero
Artista gráfico de formación autodidacta. Ha publicado sus historietas e ilustraciones en diarios y revistas de circulación nacional e internacional y ha participado en diversos talleres, conferencias y exposiciones en universidades y espacios culturales en México y el extranjero.
Fue fundador y colaborador en la revista Gallito Cómics (1992-1998). Ha participado en la antología de historieta contemporánea Sensacional de Chilangos (2001) y es autor del fanzine Planeta Dios, Planeta Buba, Planeta Muerte (2002); el libro Buba Volumen 1 (2000-2006), el libro electrónico 13 Muertes de Buba (2002-2005), El Pote, un bohemio ya sin fe (2011) y Flor de Adrenalina (2012), estos últimos editados bajo su propio sello editorial: Ediciones Mono Barroco.

Presentandose por segunda ocasión en Vértigo!
Las Vinylators es una propuesta retro de garage rock. Desde su nombre se nota esa nostalgia por ese garage sesentero con influencias de Op art, sicodelia, soul y R&B.

“Amamos los sonidos fuzzeados, órganos vibrantes, baterías estruendosas y voces hipnotizantes”.

La disquera portuguesa Groovie Records editó dos de sus canciones incorporándolas en su colección Classic Singles en un vinyl promo de pulgadas para su difusión en Europa.

Agradecimiento por las fotos a: Yels

21 JULIO

Sesión: Criaturas Insólitas | 32:23 MIN
Artista Invitado: Luis Felipe Hernández
Chernokids | Matthieu Bernadat, Nils Boussuge, Florence Ciuccoli, Clement Deltour, Marion Petegnief (Fr)
Tous des Monstres | Gabrielle Lissot, Nicolas Deprez, Laurent Jaffier, Pierre Lippens (Fr)
The Wonder Hospital | Shimbe (Tw)
Martyris | Luis Felipe Hernández (Mx)

CURSO INTENSIVO DE 2 DÍAS IMPARTIDO EN INGLÉS.

Los asistentes tendrán la posibilidad de compartir experiencias y conocer  un poco más de cerca el trabajo de esta brillante y talentosa ilustradora, que se encontrará en la ciudad de México preparando su exposición en Vértigo.

NOMOCO nació en Fukuoka, Japón graduándose de la Universidad de Artes de Osaka. Actualmente radica en Londres, donde se graduó del College of Communication de Londres, con una Licenciatura en Diseño Gráfico y posteriormente del Central Saint Martins College of Art & Desing con una Maestría en Comunicación del Diseño.

Ha expuesto su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en lugares como Londres, Milan, Tokyo, Singapur y Nueva York. Disfruta de la experimentación de varios materiales así como de hacer una artesanía en su trabajo.  En los últimos años, ella ha mostrado interés en jugar con la tinta y el movimiento orgánico.

Sus ilustraciones han sido publicadas en infinidad de revista, libros y periódicos como The New York Times y The Guardian. Ha realizado campañas publicitarias para Moschino, Audi, Volvo, Coca Cola, entre otros y realizado colaboraciones para Marc Jacobs y Moleskine.

El sueño americano huele a carnita…
A través de imágenes irreverentes Roxy, joven artista de Nuevo Laredo, muestra las experiencias vividas en el contacto de frontera, poniendo énfasis en la biculturalidad que allí se genera.
Para la artista, este cruce está perfectamente representado por la vida de Selena Quintanilla. Fascinada por el puente entre culturas que representa la figura de Selena, la elige como eje simbólico de representación en esta nueva exposición.
Selena, la reina del Tex-mex, ha logrado “borrar” algunas fronteras, en el amplio sentido de la palabra. Figura emblemática, sin lugar a dudas, encarna el sueño de muchos mexicanos y mexico-americanos que ven en la frontera norte la esperanza de una vida mejor.
El Tex-mex –que forma parte de la cotidianidad de Roxy– se expresa a través de sus dibujos, creaciones y visión particular de este fenómeno fronterizo.

Las Vinylators es una propuesta retro de garage rock. Desde su nombre se nota esa nostalgia por ese garage sesentero con influencias de Op art, sicodelia, soul y R&B.

“Amamos los sonidos fuzzeados, órganos vibrantes, baterías estruendosas y voces hipnotizantes”.

La disquera portuguesa Groovie Records editó dos de sus canciones incorporándolas en su colección Classic Singles en un vinyl promo de pulgadas para su difusión en Europa.

Flavio Cianciarulo, mejor conocido como Sr. Flavio (miembro fundador de los Fabulosos Cadillacs) viene con libro nuevo bajo el brazo (editado por Warp books) y album nuevo… y como es amigo de casa se dara una vuelta con un especial raggae punk dance hall. Imperdible!!!!

EXPOSICIONES DE TERCER ANIVERSARIO!!

“Después de sumergirme en libros de arte mesoamericano y enredarme entre hilos y es-tambres de colores ya no he podido parar. Mi fascinación por jeroglíficos y arte prehispánico nació al viajar al centro y sur de México y creció con la nostalgia y apreciación de la cultura e historia que muchos encontramos al estar lejos del país. Finalmente llena de romanticismo, he encontrado mi mejor manera de mantener contacto e identidad cultural. Mis “creaturas” sobresalen de los muros y llenas de vida se quedan hasta el fin del mundo.

Creaturas es un proyecto que comencé en enero 2012 como un experimento para una exposición para el Festival Pictoplasma en Berlín, Alemania”.

Objetivo: Fomentar que los niños y niñas exploren y desarrollen su creatividad literaria y artístico-plástica a través de la creación artesanal de su propio libro álbum ilustrado.

Temas a desarrollar:
-¿Qué es un libro álbum  ilustrado ?
-Ilustración con técnicas tradicionales y experimentales análogas.
-Creación literaria a partir del collage  para narrar las imágenes.
-Experimentación con diversos materiales y formatos para el armado y/o empastado de un libro álbum ilustrado.
-Armado del libro.
-Presentación- Exposición.

AL FINAL DEL CURSO SE ENTREGARÁ UN CD CON EL VIDEO DEL PROCESO CREATIVO Y  RESULTADO DEL TRABAJO DE CADA NIÑO.

SALVADOR ROJO (México). Ilustrador , estudió Diseño Gráfico en la Universidad del Valle de México y ha realizado talleres de artes plásticas y fomento de lectura  para niños y jóvenes por parte de organizaciones no gubernamentales e instituciones como  la SEP y CONACULTA, así como la ilustración de materiales didácticos, juegos y cuentos.

Su expresión como  diseñador gráfico pero sobre todo como ser humano se da través de la ilustración y la realización del libro-objeto , donde encuentra  la posibilidad de contarse  mejor que con cualquier palabra.

Con la ayuda de: STELA CAMACHO ( Barcelona ). Maestra entusiasta de Educación Infantil y Primaria, en diferentes centros escolares ( de Barcelona y alrededores ). Mediadora que traza puentes, desde contextos educativos, entre obras literarias y lectores principiantes y en plena formación lectora.

Desde hace tiempo se adentró en el ámbito de la Literatura Infantil y Juvenil, a través del Grupo de Formación e Investigación Gretel , coordinado por la Universidad Autónoma de Barcelona y el Banco del Libro de Venezuela.

Actualmente explora las posibilidades y aproximaciones teóricas y prácticas del álbum ilustrado como una nueva propuesta de lectura.

Lo que más le interesa es observar las miradas de los niños y estimular sus capacidades lectoras y creativas a partir de las interpretaciones que les suscita un libro.

El pasado jueves 26 de mayo fue la presentación del Libro Gato Garabato pero para adultos!

Exposición Inaugural del Festival Drawing(a)Live México / Agosto 2012

“Nací en medio de los fabulosos años 70, a los siete días las últimas tropas estadounidenses huyen de Saigón, seis meses después Pasolini es asesinado. Fupete es un invento, poesía visual en los intersticios, en las grietas. Para desentrañar la maraña diseño, soles verdes y sopa etrusca de mi tierra. And so Joe Strummer is dead. Hombres desnudos con pasamontañas hacen volteretas en las nubes. Una exposición de garabatos, colores, sangre y gatitos negros. Perros sin cabeza mientras que arde la ciudad-mundo. Negra noche ilumina mis dibujitos de cuerdas y madera. ¡En México, adelante!”

Fotos: Marcelo Prieto

OBJETIVO: Al finalizar la especialización, el participante estará capacitado para concluir una fuente tipográfica con un mapa de caracteres convencional.

Módulo 1. CONCEPTO: BOCETAJE Y AJUSTES: El participante conocerá y aplicará los conceptos pertinentes para conceptualizar una fuente tipográfica.

Módulo .2. DIGITALIZACIÓN: El participante desarrollará las habilidades requeridas para el dibujo vectorial de tipografía.

Módulo .3. ESPACIAMIENTO: SIGNOS COMPLEMENTARIOS: El participante conocerá los principios que le permitirán espaciar adecuadamente y dibujar los signos complementarios de una fuente tipográfica.

Módulo 4. AJUSTES Y PROGRAMACIÓN DE SIGNOS ALTERNATIVOS: El participante ajustará su fuente para un óptimo desempeño. Asimismo, aprenderá nociones sobre cómo programar signos alternativos.

RECOMENDAMOS TOMAR LA ESPECIALIZACIÓN COMPLETA PARA EL MEJOR APROVECHAMIENTO DE ESTE TALLER.

IMPORTANTE: Cada módulo, cuenta con distintos materiales de trabajo, favor de pedirlos en talleres@vertigogaleria.com ó también los puedes encontrar en nuestro evento de Facebook. Gracias!

18 AGOSTO

Sesión: Días Extraños | 28:23 MIN
Artista Invitado: Carlos Matiella, de Orgánika (www.organika.tv)
The Bellies | Philipp Grammaticopoulos (Fr)
Teclópolis | Javier Mrad (Ar)
Paranoia | Riles Amour, Benjamin Faure, Philippe Gonzales, Korentin Le Gallou, Christine Shin (Fr)
Clean is Good | Carlos Matiella (Mx)

Desde el privilegiado lugar que tienen las pelusas en los lentes de Inés, he sido testigo y parte de la creación de lo que ahora tienes en tus manos, y puedo decirte con seguridad que no se trata de tan sólo líneas trazadas ni sombras manchadas. Son juegos que parecen cómics tejidos por un ser con unos ojitos borrosos que le permiten confundir la realidad con la textura de las frutas que crecen en las nubes.
Ojitos con los que además, puede enfocar acontecimientos ocurridos en los esspejos de planetas lejanos, donde la verdad grotesca de la humanidad se decide en un intercambio de miradas románticas.
Pero basta de blablablá, como lo gusta a Inés: ¡Menos texto y más monitos!

Colonia Modelo es la particular síntesis gráfica del paisaje urbano que Paadín ha conocido en sus estancias en México. Fraccionamientos desiertos en Monterrey, colecciones de cajas de cerillos encaramadas unas a otras, vecindades del DF, escultura pública que parece sacada de una fantasía post-apocalíptica… Inicialmente concebida como una serie de postales (el autor no se avergüenza de no saber tirar una foto ni con polaroid) Colonia Modelo se ha construido como un “bricolage” en el sentido estricto: Construir con lo que se tiene a mano. Así el imaginario de la ciudad se mezcla con el la ciencia-ficción, los puestos de tacos con la abstracción geométrica o la autoconstrucción con la mecánica, en forma de serigrafías, collages, maquetas y pequeñas máquinas.

Fotos: Marcelo Prieto

“Tips n’ Tricks to Scribbling with a Retro Riff”

Una mirada al arte de Derek Yaniger, paso a paso caminaremos por todos sus secretos creando una vibra de la mitad del siglo. Garabatear con Derek al mismo tiempo que revela sus tecnicas y trucos simples que hacen que lo retro tenga un look retro!

OBJETIVO: Se encaminará a los participantes a traves de varias tecnicas que los introducirá al diseño de elementos que él usa para crear ese look de ilustración vintage.  Se trabajará con sketches de personajes y objetos “old-school”, también con tipografías que ayudan a crecer el sentimiento retro. Despues introducira el color en el proceso y discutirá la importancia del color minimal o mínimo, como registrar el color, los cambios de color en la superposición de formas,

MATERIAL DE TRABAJO:
-Un sketch book, libreta o cuaderno en blanco
-Lapices para dibujar
-Una buena goma
-Algunas plumas negras de tinta permanente con variaciones de tamaño en punta
-Un puño de plumones de color permanentes (colores claros funcionan mejor)

Más información: talleres@vertigogalería.com ó llámanos al 5207.3590

La infografía es una poderosa herramienta de comunicación, un arma de propaganda, un útil de la ciencia… y también un medio expresivo que combina todos esos aspectos.
En este taller nos centraremos en este carácter híbrido de la infografía, en su aplicación cultural y utilización como forma de expresión.
Analizaremos su historia, sus grandes hitos y sus problemas. Hablaremos a fondo del trabajo del estudio de diseño gráfico Lamosca y realizaremos proyectos con la intención de romper los corsés de la infografía convencional.

Paadín es socio de Lamosca, una cooperativa de diseñadores fundada en Barcelona en 1995. Desde entonces, elestudio ha trabajado intensamente en los ámbitos de la identidad gráfica, la comunicación y la infografía para multitud de clientes tanto privados como institucionales.
Han publicado en Monocle, Wired, Squire, Fortune, entre otros y su trabajo ha sido premiado internacionalmente.

www.lamosca.info
www.lamosca.com

La intención del curso es ejercitar el ojo y la capacidad de análisis ante una película. Los inscritos deberán elaborar apreciaciones con fundamentos frente a una secuencia o película completa y deberán ejercitar y plasmar sus apreciaciones ya sea a través de un texto o de manera oral frente a otras personas.

1. Contenidos temáticos de una película.
2. Análisis de guión.
3. Elementos estéticos a considerar: Fotografía, Diseño de Arte, Edición, Sintaxis cinematográfica, Retrato de época, Actuaciones, Pertinencia histórico-social, Valor creativo.

Joaquín Rodriguez es fundador de las revistas Primer plano, Cinemanía y 24xsegundo Magazine. Ha colaborado también en Cinepremiere, DF por Travesías, Revista Vértigo, Open Magazine, Revista Vuelo de Mexicana y varias más.
En el Canal Once fue co creador del programa Abrelatas en donde también fungió como guionista y conductor durante 4 años.
Actualmente es programador del Festival Internacional de Cine de Morelia, evento en el que colabora desde sus inicios en el año 2003; co produce y escribe el programa Cortocircuito de Canal 22. Como crítico, cubre regularmente festivales como Cannes, Berlín, San Sebastián, Guadalajara y otros más.
Hoy es socio fundador de Cinegarage.

Sesión 1.
Llegada del cine a México, Cine mudo, Sonorización, Santa primer filme con sonido directo mexicano.
Sesión 2.
Eisenstein y se devetura en México, Dos extranjeros notables en los albores industriales: Arcady Boytler y José Bohr.
Sesión 3.
La época de oro del cine mexicano, el milagro alemanista: El cine mexicano de los años 50 y el relevo generacional de los 60.
Sesión 4.
Los años 70 y el cine del estado, Jodorowsky y el cine pánico, los trágicos 80, el cine privado de explotación.
Sesión 5.
Los años 90. El nuevo-nuevo cine mexicano. La comedia clasemediera, los años 2000 bajo la sombra de Amores perros, El nuevo siglo y el minimalismo mexicano.

José Luis Ortega Torres: Crítico de cine para La Jornada y El Financiero. Es cofundador del sitio revistacinefagia.com. En radio se desempeñó como guionista y conductor de Detrás de la película del noticiero Detrás de la Noticia, que se transmitió por el 1160 AM; del programa Cinefagia en Neurótica FM 102.1 y recientemente en Vasos Comunicantes de Radio UNAM.

Si nunca lo has hech0 pero ya tienes la idea de hacerlo, si ya lo empezaste pero no sabes cómo terminarlo, si ya lo acabaste pero no está del todo bien… Se trabajará en el desarrollo de las ideas y propuestas concretas (ya sea en estado preliminar o avanzadas) de libro-álbum ilustrado de cada alumno, desde una perspectiva editorial profunda para proporcionar las herramientas esenciales para construir, optimizar y desarrollar la propuesta general (textual y visual).

Este taller te proporcionará las herramientas para pensar, replantear, mejorar, armonizar y finalizar un proyecto de libro-álbum ilustrado para convertirlo en un buen libro.

1. Libro Album Ilustrado:
Similitudes y diferencias, Actualidad transgénero: ¿Contenido o Contenedor, Referentes ejemplares: análisis (teórico y grupal)2. Cómo hacer un album:
El creador, El proceso, Útiles burocracias administrativas, Investigación-lectura-lectores-creadores, El
público, las edades lectoras
3. La edición.
Elementos básicos, posibilidades creativas, Consideración del diseño y sentido: formato, tipografía, recursos.

Andrea Fuentes es editora y escritora, estudió Letras Hispánicas en la UNAM y desde entonces ha compaginado la escritura y producción de elementos culturales y artísticos con la edición, a la cual se dedica desde hace más de 18 años. Colaboró en el Departamento de Publicaciones de México; en Alfaguara; fue Editora cuatro años en FCE y, durante cinco años, directora editorial y de arte de Nostra Ediciones, desde donde realizó los más de 110 libros y 10 colecciones que conformaron su catálogo. Entre 2001 y 2011 ha editado más de 120 libros.

Nación Apache, Salón Chihuahua, Capello di Mariachi? Son los discos de los Twin Tones y suficiente para que te des una idea de que van… spaguetti western, música norteña, surf instrumental. Imperdibles! Si no los escuchaste antes esta es la mejor oportunidad de escuchar a la que sin duda es una de las mejores bandas de México!

Oriunda de Argentina,Didi Wray, en su biografía combina la realidad con la fantasía. Menciona que es el fruto de un amor entre un norteamericano y una hermosa muchacha europea que migró hacia Argentina.
A su padre nunca lo conoció pero le heredó su colección de vinyles, entre los que se encontraban varios de Link Wray, justo en el momento que escuchó “Rumble” por primera vez, supo que la música instrumental era su futuro. Tanto así que decidió adoptar el apellido del finado guitarrista norteamericano.

Tal vez sea verdad, tal vez sea mentira, pero lo que nadie discute es el talento que Didi tiene en sus dedos y lo arriesgada que es al aventurarse en un género en el que pareciera que para lo único que sirven las mujeres es para subirse a bailar al escenario.

Folklore mexicano afectado por la globalización que no esconde su condición urbana pero a su vez conserva la esencia de la pintura tradicional. Así podríamos definir el trabajo de Raudiel que en esta ocasión presenta su más reciente producción en la exposición “Sobre papel”. Pinturas constrastantes, por un lado, la representación del misticismo, la tentación, los malos pensamientos, la violencia, la sangre, el calvario, los demonios y por otro, la fe y la esperanza de un renacer, exhibiendo ante nosotros dos caras de una misma moneda, sus demonios más profundos y su deseo de salvación.

“Desde muy pequeño comprendí el arte. Mi suave y esponjoso cerebro absorbió todo tipo de cartoons que pasaron frente a mi: la televisión de sábado en la mañana, las portadas de discos de pop jazz, las revistas para caballeros y hasta la colección de vasos para jugo de mi mamá… He guardado en mi cabeza por 40 años todo estos garabatos de estilo retro de los 50’s y 60’s y esta exposición es una colección de toda esa inspiración. Cada una de estas imágenes es una pequeña maquina del tiempo que me transporta a mis días de pequeño niño mirón”.

16 JUNIO

Sesión: Tiempos Violentos | 31:19 MIN
Artista Invitado: Carlos Rupit, de Dead Astronauts (www.deadastronauts.com.mx)
Vecindario Robot | Luis Marco Esteban (Es)
The Panic Broadcast | Dead Astronauts (Mx)
8 Bits | Valere Amirault, Jean Delaunay, Sarah Laufer, Benjamin Mattern (Fr)
Octocat | David O’Reilly (Ir)
Videogioco: A Loop Experiment | Donato Sansone (It)
Paths of Hate | Damian Nenow (Pl)

Este proyecto pretende hablar del dibujo como un proceso metabólico, en el que se transforman experiencias y procesos de vida y de conciencia en formas gráficas. El dibujo es entendido como una especie de organismo que digiere y que muestra un proceso insistente, absurdo y caricaturezco de búsqueda personal así como el intento de procesar una serie de datos sociales y biológicos.

Metabolé es entonces una especie de organismo -una especie de máquina de Goldberg- que no para, es una forma de explicar mi necesidad de dibujar y de dónde viene. Dibujar como forma de vida, dibujar porque no puedo digerir la vida de otra manera. Dibujar como medio, insistir en el dibujo y así afirmar que no hay un fin al cual llegar.

Bien me lo dijo un ciego: “Mientras lees esto, dos ácaros copulan en tu almohada”.
Los dibujos que naturalmente hacemos en la infancia son una enfermedad de la que poco a poco sanamos. Al crecer, reducimos esa actividad a garabatos que plasmamos en esquinas de hojas blancas accidentales o, en el mejor de los casos, en servilletas de fondas y restaurantes.
Las piezas de esta serie son el resultado de las noticias diarias, la poesía de microbús y la literatura nocturna, los traslados a la oficina, las conversaciones anónimas, la mirada peatonal, actividades todas que la provincia permite gracias a sus ritmos lentos. En la lejanía de la ciudad de Durango, en la piedra árida y extraviada dentro del gran valle, la premisa fue muy sencilla: dibujar 100 dibujos en 100 días (a veces con éxito, a veces con retraso) para establecer la triada de ritmo, constancia y disciplina.
La serie habla de la condición humana, a través de señas autobiográficas y de una búsqueda constante dentro del quehacer diario de esa fina (e inseparable) ligadura que existe entre el dibujo y la textualidad de las imágenes.
De esta forma volví a infectarme; me sumergí de nuevo, como el niño en el lodazal, consciente de que para triunfar tenía que ensuciarme las manos. Fue el punto de partida para engrasar de nuevo aquella maquinaria olvidada. Desde entonces, todos los días cultivo esta enfermedad, de la cual no espero encontrar cura.

Para Nacho su pintura refiere a la enunciación poética de la infancia, con apropiación de objetos, fetiches e imágenes del entorno en el cual admito desempeñarme como recolector de imágenes y viajero del tiempo, tomando cosas del pasado y del presente para conectarlas a una realidad pictórica. en la que encuentro particular interés hacia las expresiones populares y cotidianas como: Juguetes, dibujos infantiles, tatuajes, artesanía tradicional e historietas.

La intención es trabajar con elementos del entorno, planteando una realidad alterna inspirada en la ficción, el mito o la fantasia. reinventando historias, secuestrando imágenes y aventurándome a crear, acogido por los cuentos e historias fantásticas. Y concluye “soy mi propio cuento de hadas”.

Entre las personas marginadas que viven en la oscuridad, hay luz.
Los vagabundos, con su energía mágica y poderosa, muchas veces aún dentro de las difíciles condiciones de vida que llevan, pueden sobrevivir el día a día con optimismo.
Todo depende del cristal con que se mire.
Con esta exposición, muestro una serie de dibujos inspirada en el arcoíris de estos seres misteriosos de la calle, partiendo de un imaginario de fantasía pero con base en una realidad cotidiana.
Flama aura druzy es una clase de cuarzo multicolor. Como una roca los cuarzos son duros, pero éste es uno que arroja muchos colores.

La exposición que se presentará en Vértigo, es el resultado de más de un encuentro creativo con la comunidad de Chiltoyac, municipio de Xalapa, Veracruz. A través de esta exposición, los artistas intentan articular los diferentes proyectos que han realizado en esta comunidad,
a través de cuatro piezas: un mural de comales, un serie de fotografías,
una instalación y un documental del encuentro entre artistas plásticos y alfareros/as.
Enriquecer las prácticas de los dos quehaceres fue la búsqueda de este proyecto: en el caso del arte, la idea fue retomar elementos que permitieran incluir los saberes tradicionales y las formas sustentables
en el proceso de creación utilizando materiales de la región en que vivimos y trabajamos, y a través de este proceso ge-nerar nuevas maneras de concebir el arte. En el caso de la alfarería tradicional, se busco enriquecer los saberes locales para integrar la tradición en los nichos de nuevos mercados.
El resultado fue el fruto de la colaboración entre Amancia Villa, una alfarera originaria de dicha comunidad y los artistas plásticos, Lucía Prudencio Núñez y Daniel Berman Loya, radicados en la ciudad de Xalapa. Las piezas forman parte de un trabajo/proyecto más extenso
que se realiza en la comunidad de Chiltoyac y que involucra a muchas más personas.

Las imágenes de Nomoco producen serenidad, aquietan la mente, pero a su vez intrigan. ¿Dónde habitan esas bellas mujeres, esos majestuosos pájaros? y esas ciudades… ¿por quienes son pobladas?. Coquetas, etéreas, orgánicas, si miras con mayor detenimiento creerás que están vivas. La tinta fluye, se transparenta, se superpone. Un color genera otro color y otro color, otro color y así…
Nomoco hace que uno piense que dibujar es tan sencillo como dar un paso, como abrir un ventana, como tomar agua.. natural, así podríamos describir el proceso de Nomoco frente al papel y la tinta: de una irrespetuosa naturalidad.

“Desde muy pequeño comprendí el arte. Mi suave y esponjoso cerebro absorbió todo tipo de cartoons que pasaron frente a mi: la televisión de sábado en la mañana, las portadas de discos de pop jazz, las revistas para caballeros y hasta la colección de vasos para jugo de mi mamá… He guardado en mi cabeza por 40 años todo estos garabatos de estilo retro de los 50’s y 60’s y esta exposición es una colección de toda esa inspiración. Cada una de estas imágenes es una pequeña maquina del tiempo que me transporta a mis días de pequeño niño mirón”.

3, 2, 1… cuenta regresiva, para el fin del mundo, las elecciones presidenciales, el gran terremoto.
Doro doro es la onomatopeya japonesa que mejor describe los dibujos de esta exposición, colores fluorescentes, monstruos que dan miedo y otros que dan risa, cho-rreados, escurridos y vómitos, influencia de las Garbage Pail Kids y de las películas gore que Pachiclón ha devorado a lo largo de los años. Estas imágenes son reflejo de estos tiempos en los que la gente busca salidas de la realidad, busca salvarse del futuro aterrador y quiere parar de sufrir.
Dibujos melancólicos, ácidos, terroríficos, son recurrentes en el trabajo de éste artista que dibuja para comunicarse, para dar una opinión de este mundo no tan sano.
Pare de sufrir es la primer exposición individual de Pachiclón, es una muestra de trabajos realizados de 2010 hasta el presente. Explora el grabado, la litografía, serigrafía y el dibujo como medio predilecto.

Folklore mexicano afectado por la globalización que no esconde su condición urbana pero a su vez conserva la esencia de la pintura tradicional. Así podríamos definir el trabajo de Raudiel que en esta ocasión presenta su más reciente producción en la exposición “Sobre papel”. Pinturas constrastantes, por un lado, la representación del misticismo, la tentación, los malos pensamientos, la violencia, la sangre, el calvario, los demonios y por otro, la fe y la esperanza de un renacer, exhibiendo ante nosotros dos caras de una misma moneda, sus demonios más profundos y su deseo de salvación.

Exposición Inaugural del Festival Drawing(a)Live México / Agosto 2012

“Nací en medio de los fabulosos años 70, a los siete días las últimas tropas estadounidenses huyen de Saigón, seis meses después Pasolini es asesinado. Fupete es un invento, poesía visual en los intersticios, en las grietas. Para desentrañar la maraña diseño, soles verdes y sopa etrusca de mi tierra. And so Joe Strummer is dead. Hombres desnudos con pasamontañas hacen volteretas en las nubes. Una exposición de garabatos, colores, sangre y gatitos negros. Perros sin cabeza mientras que arde la ciudad-mundo. Negra noche ilumina mis dibujitos de cuerdas y madera. ¡En México, adelante!”

Fotos: Marcelo Prieto

Colonia Modelo es la particular síntesis gráfica del paisaje urbano que Paadín ha conocido en sus estancias en México. Fraccionamientos desiertos en Monterrey, colecciones de cajas de cerillos encaramadas unas a otras, vecindades del DF, escultura pública que parece sacada de una fantasía post-apocalíptica… Inicialmente concebida como una serie de postales (el autor no se avergüenza de no saber tirar una foto ni con polaroid) Colonia Modelo se ha construido como un “bricolage” en el sentido estricto: Construir con lo que se tiene a mano. Así el imaginario de la ciudad se mezcla con el la ciencia-ficción, los puestos de tacos con la abstracción geométrica o la autoconstrucción con la mecánica, en forma de serigrafías, collages, maquetas y pequeñas máquinas.

Fotos: Marcelo Prieto

EXPOSICIONES DE TERCER ANIVERSARIO!!

Liniers –por primera vez en México– presenta su exposición “Macanudismo” donde exhibe una variedad de tiras y dibujos originales. Además el artista estará presentando su libro “Macanudo 1” editado por la editorial mexicana Sexto Piso.

Dibujante, pintor, humorista gráfico, editor y más. Ricardo Siri es sin lugar a duda hoy uno de los artistas más reconocidos de latinoámerica. Liniers es un fenómeno que sorprende y maravilla por sus trazos simples de profunda riqueza poética.

CRONOGRAMA DE ACTIVIDADES

6:30 PM PRESENTACIÓN DEL LIBRO
“MACANUDO 1″ POR SEXTO PISO Y LINIERS
7:30 PM FIRMA DE LIBROS CON EL AUTOR
9:00 PM INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN “MACANUDISMO” POR LINIERS

EXPOSICIONES DE TERCER ANIVERSARIO!!

“Después de sumergirme en libros de arte mesoamericano y enredarme entre hilos y es-tambres de colores ya no he podido parar. Mi fascinación por jeroglíficos y arte prehispánico nació al viajar al centro y sur de México y creció con la nostalgia y apreciación de la cultura e historia que muchos encontramos al estar lejos del país. Finalmente llena de romanticismo, he encontrado mi mejor manera de mantener contacto e identidad cultural. Mis “creaturas” sobresalen de los muros y llenas de vida se quedan hasta el fin del mundo.

Creaturas es un proyecto que comencé en enero 2012 como un experimento para una exposición para el Festival Pictoplasma en Berlín, Alemania”.

El sueño americano huele a carnita…
A través de imágenes irreverentes Roxy, joven artista de Nuevo Laredo, muestra las experiencias vividas en el contacto de frontera, poniendo énfasis en la biculturalidad que allí se genera.
Para la artista, este cruce está perfectamente representado por la vida de Selena Quintanilla. Fascinada por el puente entre culturas que representa la figura de Selena, la elige como eje simbólico de representación en esta nueva exposición.
Selena, la reina del Tex-mex, ha logrado “borrar” algunas fronteras, en el amplio sentido de la palabra. Figura emblemática, sin lugar a dudas, encarna el sueño de muchos mexicanos y mexico-americanos que ven en la frontera norte la esperanza de una vida mejor.
El Tex-mex –que forma parte de la cotidianidad de Roxy– se expresa a través de sus dibujos, creaciones y visión particular de este fenómeno fronterizo.

Este proyecto pretende hablar del dibujo como un proceso metabólico, en el que se transforman experiencias y procesos de vida y de conciencia en formas gráficas. El dibujo es entendido como una especie de organismo que digiere y que muestra un proceso insistente, absurdo y caricaturezco de búsqueda personal así como el intento de procesar una serie de datos sociales y biológicos.

Metabolé es entonces una especie de organismo -una especie de máquina de Goldberg- que no para, es una forma de explicar mi necesidad de dibujar y de dónde viene. Dibujar como forma de vida, dibujar porque no puedo digerir la vida de otra manera. Dibujar como medio, insistir en el dibujo y así afirmar que no hay un fin al cual llegar.

Esta exposición recrea el ambiente que rodeó a la artista durante su estancia en México. El proyecto fue concebido por Megan como una residencia artística.
Durante este período de tiempo se enfocó a examinar el lugar, la comunidad y sus diferencias particulares con el sitio del cual proviene. “La búsqueda ha sido mi mayor motivación para trascender fronteras e idiomas y así poder lograr eso que yo he nombrado ‘mi retrato de México’, explica la artista. El resultado, es una instalación que combina los materiales que comúnmente usa y los que fue encontrado durante los dos meses de residencia en el país.

RE-INAUGURACIÓN

“Gracias al gran interés por esta exposición, hemos decidido volver a exhibirla. Para los que no pudieron visitarla y quieran conocer el increíble trabajo de Zoveck, esta es su gran oportunidad”.

Mutilan, seccionan, amputan sistemáticamente casi por placer sus extremidades. Uno podría imaginar a un par de científicos frente a una nueva especie a estudiar: una pierna, una cabeza, un torso… Un ejercicio doloroso y sádico del que al final, emergen seres bellos e inquietantes.
Hurgan en sus rincones más oscuros, a los que pocos tienen acceso, dejando asomar sus fantasías más bizarras. La creación al mejor estilo del Dr. Frankestein: de la segmentación, de la fragmentación el nacimiento de una nueva criatura, de una nueva armonía y uno se pregunta: ¿cómo es que no fueron creadas así originalmente?.
Dicen sus creadores: “Nos atrae el significado que tiene el espejo como la herramienta para ingresar a un mundo fantástico donde todo puede suceder, todo está permitido y a su vez revelar el lado oculto de quien se refleja”.
Entonces pensamos en Lewis Carroll y sus mundos paralelos con sus personajes extraordinarios. Y agradecemos a estos artistas que nos permitan asomarnos en este gran espejo y que por allí los veamos, los disfrutemos, nos maravillemos y los adoremos.

La Muerte y el misticismo que la rodea han sido objeto de las más diversas expresiones y ritos desde que se tiene conocimiento. El simbolismo que la humanidad le atribuye es una clara muestra de la atracción que tiene por entender lo que sucede después de la vida. Una de esas manifestaciones es el Tzompantli: un altar o muro de cráneos de personas sacrificadas que se ofrendaba a los dioses en tiempos prehispánicos. Las cabezas aún sangrantes de los prisioneros se disponían una detrás de la otra ensartadas en estacas de madera. Al apilarlas una encima de otra se conformaba una imponente pared de cráneos. Los registros de Hernán Cortés y Bernardino de Sahagún dan testimonio de su existencia. En la actualidad podemos ver algunas representaciones de piedra  en alto relieve como el Tzompantli de Templo Mayor o el ubicado en Chichén Itzá así como algunas derivaciones en el pan de muerto y las ofrendas.

TZOMPANTLI GRÁFICO es una reinterpretación de esta estructura, un homenaje a su carga mítica y cultural. Conformado por 50 calacas intervenidas por 50 artistas mexicanos e internacionales, vinculados a expresiones gráficas como ilustración, graffiti, cómic, diseño, arte contemporáneo, entre otras. Cada uno plasmará su particular concepción de la muerte, dando por resultado un exquisito mosaico de imágenes, conceptos y gráfica. Que se expondrán a partir del 13 de Octubre en Vértigo con motivo de su 2do aniversario.

PARTICIPAN: Andrés Amaya, Paola Beck, Patricio Betteo, BUQUE, Café con Leche, Francesca Dalla Benetta, Mora Diez, Martín Ferreyra, Heyliana Flores, Charles Glaubitz, Foi Jiménez, Alberto Fregoso, Lady Love, Heráclito López, Alejandro Magallanes, Mariana Magdaleno, Matucha, MASA, Pau Masiques, Christian Michel, Diego Molina, Manuel Monroy, Héctor Montes de Oca, Mookiena, Moreno – Golpe Avisa, Amor Muñoz, Netoplasma, Neuzz, News, Griselda Ojeda, Pachiclón, Anibal Pantoja, Luis Pombo, Toloache,  Rita Ponce de León, Adriana Quezada, Pepe Quintero, Artemio Rodríguez, Roxxxxy Love, Luis Safa, Jimena Sánchez Sarquiz, Seher, Santiago Solís, Watchavato, 1000Changos, entre otros…

TZOMPANTLI GRÁFICO es un projecto conjunto de Vertigo Galeria y 1000Changos

“Este proyecto trata de depositar en una serie de dibujos mi relación con personas de mi entorno, a las cuales les propuse contarme un sueño. Todos guardamos en la memoria algunos sueños que nos parecen importantes o extraños.
Al comienzo de este proceso me hicieron una pregunta que no supe contestar: ¿Por qué haces cómics? y ¿por qué dibujas los sueños de los otros?
Mi respuesta ahora es: hago cómics porque dibujo sueños y aunque ese no fue el orden en mi proceso, esa es mi condición actual. Dibujo sueños de otros porque es como intento compartir ese mundo subterráneo con alguien. Hay algo en pasar páginas con imágenes que estoy empezando a descubrir; tal vez tiene que ver con cuando uno es niño y no sabe leer, entonces mira los libros. Para mí relatar un sueño se parece a eso, a un mundo imposible de contar sin imágenes. “

Fotos por Sakre

Los dibujos de Ballestar están llenos de realismo, de una vivísima descripción gráfica, sus imágenes están llenas de vida. Los personajes no están añadidos, forman parte del paisaje, se mueven en el contexto de la ilustración. La expresión de sus rostros delata sus sentimientos. Conversan, actúan, luchan, bailan. Hoy tenemos la oportunidad de ver parte de esta colección que se exhibe en México por primera vez.

Fotos por Sakre

Le Dernier Cri es un colectivo con base en Marsella formado por artistas de la ilustración y artesanos de la serigrafía, todos ellos creadores libres, excesivos e insurrectos. Pioneros del Art Brut y afines al Outsider Art. Nacido en 1993 y heredero del movimiento francés de los 80’s “undergraphic”, ha dado gran prestigio a la ilustración de su pais.
Ha construido durante años una red de trabajo internacional con artistas alrededor del mundo. Artistas que abogan por una expresión que pueda combinar la herencia del “Art Brut” con elementos tradicionales del comic y la producción de nuevos objetos. Esa es la forma visual que Le Dernier Cri explora: la creación de íconos en cada nueva producción, combinando un discurso directo con las obsesiones e instintos.
Pakito Bolino es el responsable detras de este grupo de experimentación gráfica, cinematográfica y editorial con el cual ha publicado más de 300 libros la mayoria de ellos impresos en serigrafía.
Le Dernier Cri estará exhibiendo por primera vez en México una extensa cantidad de posters y libros de los últimos 20 años y presentará su último libro “Hospital Brut” especial México.

“La pintura de Toño Camuñas es una aberración reflejo de la distorsión que proyecta nuestro mundo y de la angustia rebasada de vivir al límite de las posibilidades de la moral, la falsa moral y definitivamente la no moral.”
Rubén Bonet, escritor.

Camuñas plasma imágenes de infinitas maneras y sobre infinitos soportes como papel, tela, paredes o la propia piel, las cuales que se mueven entre la estética del cómic más bizarra, la cultura del tatuaje y un total eclecticismo simbólico; en un estilo visual que el escritor Rubén Bonet describe como “terrorismo poético”. Vírgenes tatuadas, luchadores llorones, payasos tristes dados al alcohol, serpientes enroscadas en cuerpos de voluptuosas mujeres, cristos astronautas o el Pato Donald en versión yonki son todas criaturas de este artista austero y subversivo.

Fotos por Sakre

Según James Hillman: El alma no tiene existencia separada de las imágenes por las que se manifiesta; sin embargo, en otro sentido, toda existencia es alma, por que estar en el alma es experimentar la fantasía en todas las realidades y la realidad básica de la fantasía[…] En el principio es la imagen: primero imaginación, luego percepción; primero fantasía, luego realidad […]

Curro define su trabajo como una revisión a través de recorrido del arte religioso con especial interés en el arte románico.
Una exploración de los diferentes lenguajes del arte sacro y el “arte vandálico”. La experimentación con el graffitti primitivo y contemporáneo. Una experimentación integrando – interviniendo – superponiendo – subvirtiendo, estéticas contemporáneas con estéticas propias del arte cristiano primitivo.

Experimentación integrando – interviniendo – superponiendo – subvirtiendo, el panteón, la imaginería y el simbolismo de diferentes religiones o filosofías; cristianismo, budismo, hinduismo, capitalismo.
Disección y recodificación perversa del símbolo como ejercicio de activación metafísica. Si el símbolo actúa como una llave del inconsciente, el símbolo intervenido, alterado, desubicado y desposeído de sus propiedades ¿cómo actuaría?

Sobre la técnica, el recurso de la superposición de capas funciona como una serie de estratos arqueológicos, como las capas del cerebro que atravesamos profundizando hasta el inconsciente. La convivencia entre las diferentes realidades, lo “cotidiano” cercano y el mundo de los espíritus o aquellas lejanas tierras.

http://currogomez.blogspot.com

Las ciudades no están terminadas; sus calles, muros, edificios y efigies lucen incompletas y así funcionan. Sobran contrucciones en este laberinto mal hech0. Entender a los ciudadanos como obras negras, inacabados, que avanzan rumbo a sus empleos, familias e infiernos. Atrapados en una rutina: nacer, crecer, reproducirse y morir. Y entre cada una de esas rutinas, más rutinas: trabajar, no dormir, encontrar el amor, etc.

Estamos entre paredes, atrapados y condenados a desgastarnos para permanecer con un objetivo claro: la lenta destrucción.
Conversión entre ladrillo y hombre, entre hombre y ladrillo, la interacción de ambos, eso es Ladrillo y Carne. Exhibo el muro dentro del muro mismo. Y entre estas paredes, personajes angustiados conscientes de su condición: “polvo eres y en polvo te convertirás”. El cuerpo se vuelve polvo, que se vuelve ladrillo. Agregando así un eslabón más en la infinita cadena de la vida: naces, creces, te reproduces, mueres y te vuelves parte del muro. El muro sobre el que pinto.

Veranos de oleadas ovnis, de niños perdidos y de trailer park. Extrañas noches de la infancia, noches de imaginación, de películas con los amigos y campamentos. En un viaje de psicodelia pubertil, Alberto con una disciplina del sin-sentido y humor negro, hace un intento por clasificar e ilustrar aquellas enigmáticas y terribles apariciones que nos rodean en esos escaparates de irrealidad que provocan los juegos nocturnos y las reuniones a fogata en épocas de vacaciones veraniegas.

Fotos por Sakre

Mitch O’Connel, es un ilustrador, y uno muy bueno, uno de los más importantes de Estados Unidos. Su obra elegante, imaginativa, con una impecable ejecución lo ubican sin lugar a duda como un artista de “old school”, sus creaciones surrealistas, que podrían considerarse como pop-kitsch le han valido por parte de la Skin Deep Magazine el título de “El príncipe del pop art”.
Ha sido publicado en Rolling Stone, Newsweek, GQ, The New York Times, Playboy, Entertainment Weekly y The New Yorker, entre otras. Ha exibido en varias ciudades de Estados Unidos, en Alemania, Japón y ahora por primera vez en México.

Fotos por SAKRE

Veinte años, veinte robots. Historias que se cuentan a través de las imágenes digitales. Imágenes que se engarzan con las palabras. Por cada androide, un minicuento. Bef celebra dos décadas de ilustrador. Con cuentos de Alberto Chimal.

Entre el diseño contemporáneo de personajes y la tradición popular.
Sorpresa, juego, diseño y tradición son algunos de los ejes de esta exposición.Piñatarama busca dejarnos sorprender por el inesperado resultado de la interpretación de parte de artesanos mexicanos de estos 25 personajes, creados por diseñadores e ilustradores de diferentes partes del mundo. Brindando de esta manera una particular instalación donde las piñatas “de diseño” reflejen este aspecto contemporáneo de mixturas, yuxtaposición y de apropiación de un objeto culturalmente arraigado tanto en México como en el resto de Latinoamérica.

La piñata está asociada a la cultura latina, aunque los historiadores señalan a Asia (particularmente a China) como su punto real de origen. Se supone que el famoso viajero Marco Polo, en su visita a esa nación, vio cómo los chinos creaban coloridas figuras de animales cubiertas con papel, las cuales se colgaban con arreos, y se usaban en las celebraciones del Año Nuevo. Como buen observador, Polo llevó a Europa la idea de esas primeras piñatas. Aunque conserva en diversas regiones su significación religiosa, en la actualidad, la piñata se considera un símbolo de diversión y entretenimiento.

Piñatarama es un proyecto conjunto de Cecilia Meade, David Gamez y Vértigo Galería.

DISEÑADORES INVITADOS:

Allan Sieber / BRASIL, Apak / USA, Ben Newman / INGLATERRA, Cecy Meade / MÉXICO, Cristian Turdera / ARGENTINA, Cupco / AUSTRALIA, Daniel Berman / MÉXICO, David Gamez / MÉXICO, Dr. Alderete / ARGENTINA – MÉXICO, Ed Carosia / ARGENTINA – ESPAÑA, Gastón Caba / ARGENTINA, Griselda Ojeda / MÉXICO, Jim Plukart / COLOMBIA, Lady Love / MÉXICO, Lou Lou and Tummie / HOLANDA, Malota / ESPAÑA, Maxi Luchini / ARGENTINA – ESPAÑA, Pachiclon / MÉXICO, Pum Pum / ARGENTINA, Rilla Alexander / AUSTRALIA – ALEMANIA, Snaggs / USA, Sonni / ARGENTINA, Stephan Britt / USA, TADO / INGLATERRA, 1000Changos / MÉXICO

PIÑATAS:
Ricardo Linares y Lorenzo García

¿Que pasará cuando los simios conozcan la música electrónica, el cubismo o un pesero en el norte de México?…
Con muchas dudas e inspirados en “El Planeta de los Simios”, los amigos de Frigo Fingers (Bilbao)  organizaron esta exposición que hoy llega a Vértigo. Cuenta con el trabajo de 40 ilustradores de todo el mundo como: Alberto Padierna (España), Alejandra Acosta (Chile), Anita Mejía (México), Dr. Alderete (México), Patricio Oliver (Argentina), Ben Newman (UK), Cecy Meade (México), Art Grootfontein (Francia), Ben Camberos (México), Daniel Althausen (Alemania), Ed Carosia (España), Helena García (USA), Matucha (México), Momo (Australia/Japón), Tom Hänni (Suiza), entre muchos otros.

Homenaje a las batallas perdidas, a los intentos que no resultan, a los errores, a los accidentes del proceso; una cita con cierto ánimo del espíritu tal vez. Un ir y venir constante entre reflexiones y acciones; en ocasiones una acción (en este caso probablemente un trazo sobre la placa, o un baño de ácido) ha sido la consecuencia de haber construido alguna idea, haber reflexionado algo. En otras ocasiones las ideas son producto de algún acto impulsivo, mas cercano al instinto.  En esta exposición Berman buscan dar forma a una narración visual, una historia no lineal a modo de un nocturno: Pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre.

Fotos por Sakre y Guillermo Léchenet

La fabula, la ingenuidad, el mito y hasta la religión se mezclan para dar origen a los nuevos escenarios del mundo erótico.
Hoy las posibilidades lingüísticas se amalgaman, se funden con imaginarios eróticos inverosímiles, paradójicos o incongruentes, pero al final simbólicos como el propio origen erótico; diluyendo así la visión de un mundo “erótico” rígido, inclemente y crudo: sexual.

Fotos por Sakre